なかなか、「すげーな」と思えるような作品はありませんでしたが、一点、私が全く知らなかった日本画家、不染鉄の「山海図絵(伊豆の追憶)」だけはすごいな、と思いました。
独創的な構図に、近くで見ると微細に事象を書き込んでいる。近景の海は、海中の魚の様子まで描かれています。
大正14年にこんな絵を描けるなんて。第6回帝展出品作です。
山海図絵(伊豆の追憶) / 不染鉄(1925)
竹鶏図屏風 梅鯉図屏風 / 伊藤若冲 円山応挙(江戸)
田植えをする女 / 笠木治郎吉(明治)
氷窟ニ鴛鴦花瓶 / 宮川香山 (1910)
深鉢型土器 / 天神遺跡(縄文)
構図と確かな描画力、人物の姿形しか書いていないはずなのにそこに意味や思いを表現できるところに感心しました。
また、薄衣の下の着物の模様の表現には驚きました。質感の表現が素晴らしいですが、なぜよりにもよって、そんな難しい題材を選んだのか。
特定の題材へのチャレンジなのか、表現したいことを考えるとその題材を選ばないといけなかったのか。
僕には到底そんな面倒な選択はできそうにありません。
それと、膨大なスケッチ。研究熱心なのと、プロとしての鍛錬、向上心の賜物なのでしょう。
美人画の一番驚嘆するのは、着物や髪飾りの緻密な表現です。よくまあこんな根気の続きそうな作業を続けられるなあ、と思います。制作に何ヶ月もかかるのが頷けます。展覧会に出すようなものは特に細かく、しかもその細部が全体を引き立てているという構成で、本当に素晴らしい。
しかも、こういう手のかかる絵を、それこそ大量に出し続けていることにも驚きました。天賦の才能でしょうね。
素晴らしいアーティストの共通点は、大量の作品を残していることじゃないかと思います。量と質。量が質を生み、質の高い量をさらに生むというサイクルなのか。「1万時間の法則」を思い起こさせます。
比較的初期の作品は、着物の線が太いのは意外でしたが、どうもそれは師匠の影響とのこと、納得。3人の師匠についているようですが、いずれの作風もうまく吸収して、昇華していっているんだなあと、感心しました。
重要文化財である「序の舞」「母子」はじめ、どれも素晴らしい絵ばかりでした。
「序の舞」というと、名取裕子の映画を思い出します。まさに上村松園と母の物語ですが、こちらは画家というよりは女としての上村松園を描いてましたね。
序の舞 1936
鼓の音 1938
母子 1934
さて、Cnaletto ですが、ベニスに生まれ、ベニスで死に、ベニスを題材に多くの風景画を制作した素晴らしい画家です。
実際見ると、建築物の描写が細かく、丁寧。
描かれた人物も一人一人生き生きとしていて、手抜きがありません。
すごいな、と思いました。
イギリスの貴族が子息の教養のため世界各地を旅させる「グランド・ツアー」というのが流行していたそうです。彼らは彼の地の思い出に景観画を買って帰る、というのが楽しみの一つだったらしく、現代の絵葉書、風景写真のような扱いだったんでしょうね。
そういった、都市や名所を精密に描いた景観画を「ヴェドゥータ」と言うらしいです。
あくまで、美しい思い出のためのものなので、厳しい現実や暗い夜、都市の汚点などは描かれません。
そいったところが、ヴェドゥータが広くあるいは後世にも愛されるところなんでしょう。
Cnaletto の描くヴェドゥータはそう言う意味で、気持ちが晴れやかになります。
彼は景観をそのまま描くのではなく、視点を変えたり、少し湾曲したり、現実には見えない角度で建物を配置したりと、より劇的に見えるよう構図に工夫を凝らしていたようです。
見えてる風景ではなく、見たい風景、そういうところも魅力ですね。
カメラ・オブスキュラを活用したのでは、と言われています。展覧会場で実際のカメラ・オブスキュラでの投影を見ることができましたが、ぼんやりしすぎていて、想像したのと随分違いました。
ある程度は参考になるでしょうが、やはり素描力があってのものだと思いました。
ベニスの景観がメインで、しかもベニスは現代も同じ景観が保存されているので、まあまあベニスについても詳しくなりました。
水の都、浅瀬の上に杭で作られた水上都市、中央の大運河と張り巡らされた水路、サン・マルコ広場やレガッタ。イタリアの北東の方に位置することも知りました。多分行くことはないと思いますが。
https://www.bunpaku.or.jp/exhi_special_post/20250215-0413/
「日展」というのを初めて観に行きました。
古典的な絵画(日本画と西洋絵画)、彫刻、工芸品、書、といったものが題材のようでした。
いわゆる現代美術的なものは出展されていませんでしたが、工芸の部は抽象度が高いせいか、結構飛んだものが多かったように感じました。
また日本画も、その古典美をどう超越するかという問題意識が強いのか、デザイン性に富んだものが多かったように思いました。
偉そうに言ってますが、どの作品も素晴らしい視点、技巧、表現力のあるもので、すばらしいなと感心しました。
全部のエリアは回れませんでしたが、主だったところは行けたかな。
中には自然の状態を生かしたインスタレーションもあって、そこそこ楽しめました。
参加型のものや、電子的なものがあまりなく、少し物足りなさは感じました。
一番印象に残っているのは、六甲ミーツ・アートとは関係ない(とは言わないけど)、風の教会でした。
風の教会：https://www.kazenokyoukai.com
安藤忠雄設計の教会で、コンクリートの直方体と大きな開口部、スリットが特徴です。
なぜこんな辺鄙なところに教会を建てたのかと思いましたが、運営が六甲スカイヴィラなので、結婚式などに使っているんでしょうか。ただ、スカイヴィラは2022年で閉館しているので、今はホント、何の用があるんでしょうね。
ちなみに、風の教会は安藤忠雄氏の初期の設計で、教会三部作の最初に建てられたものだそうです。残りは大阪の光の教会、北海道の水の教会だそうです。
光の教会：https://ibaraki-kasugaoka-church.jp/j-top.html
水の教会：https://tomamu-wedding.com/waterchapel/
スカイヴィラは会場にもなっていますので中に入りましたが、こじんまりしていますが、素晴らしい眺めで、もったいないですね。住みたいくらいです。
絵師としては、風景画を得意としますが、それは武者絵や美人画、花鳥図などが得意な先輩がいたから。
得意分野で生きていく、というのはいつの時代も必要とされますよね。
広重の少し前の時代に、北斎が風景画でヒットを飛ばしてますので、当然一番意識したでしょう。
青(ベロ)を多用しているところ、独特の赤との対比も影響を感じます。
時には北斎のような大胆な構図にトライしますが、やはり広重は安定構図だと思います。
今回の展覧会は、広重の初期から晩期まで広く扱っていますが、驚くのはその種類の多さ、数です。注文があれば断ることなく全て受け、器用に表現しているのは素晴らしいなと思います。
北斎もそうですが、アートのマスタリーは質より量ですね。
https://www.aham.jp/exhibition/future/hiroshige/
そして、当展覧会の文明を作っていく訳ですが、ここでは主に3つの文明を紹介しています。
古い順で、紀元前1500年のオルメカ文明、紀元前1200年〜16世紀のマヤ、14世紀〜16世紀のアステカ。その後はスペインに征服されてしまいました。
文字を持たなかったので歴史を残さなかったのかな、と勘違いしていましたが、立派に文字があり、石に刻まれています。
王政があり、ピラミッドを作り、天文に長けていたようです。
驚いたのは、古代から生贄の習慣があったことです。生贄が宗教の中心にあり、連綿と続いてきたようです。
インディジョーンズに出てきたような、心臓を抉るようなことも行われていたようで、今の感覚からすると信じられませんが、生と死は境目が曖昧で、集団と個人の境目も曖昧だったんでしょう。
日本はそんな習慣が根付いてなくてよかったなと思います。
どうやって王朝ができていったのかは明らかにされていませんが、呪術、宗教的な要素が大きいような印象を受けました。
マヤは農業に向いた土地ではなかったようです。
石板には戦士も描かれているので、もちろん武力抗争はあったんでしょうが、各文明の都市を見ると、宗教による畏怖が権力の根本のように感じられました。
空想の神の世界、生贄、天文の知識....これらが人をまとめていたんでしょう。
スペインのコルテス率いる小部隊がアステカを制圧できたのも、武力がそれほど重視されていなかったからかもしれません。もちろん部族対立をコルテスが巧みに利用したことも大きいですが。
ちなみに「Aztec Camera」って、「アステカのカメラ」という意味だったんですね。知りませんでした。もちろんアステカにカメラはありません。
https://mexico2023.exhibit.jp/
